Бекпулат Парманов - Человек театра

Бекпулат Парманов - Человек театра
03.01.2018

Бекпулат Парманов – Человек театра.

 

Сегодня исполняется 65 лет блистательному режиссеру, Заслуженному артисту Республики Казахстан, известному в отечестве и за рубежом, главному режиссеру Государственного академического русского театра драмы им. М.Горького Бекпулату Парманову.

 

Имя Бекпулата Парманова хорошо известно в театральном мире стран Центральной Азии. Он – единственный казахский режиссер, который не только поставил десятки спектаклей за пределами Казахстана: в Кыргызстане, Узбекистане, Таджикистане, России, но и преподавал в высших театральных учебных заведениях этих стран. Был художественным руководителем курсов в Таджикском государственном институте искусств (г.Душанбе) и в Ташкентском государственном театрально-художественном институте по кафедре «Мастерство актера и режиссура».

Многие его выпускники работают в национальных театрах стран СНГ. О его постановках и сценической деятельности коллеги из ближнего зарубежья вспоминают только в превосходной степени.

Бекпулат Парманов получил фундаментальное базовое театральное образование. В 1974 году он окончил актерский факультет Ленинградского государственного института театра,  музыки и кинематографии им.Н.Черкасова с красным дипломом. В те времена при поступлении конкурс составлял по нескольку десятков человек на одно место. Обучаясь специальности, он проявил себя как лучший талантливый студент и за выдающиеся достижения в составе молодежной делегации (число участников было ограничено) от огромной страны был послан за границу.

После службы в армии жажда самостоятельной и более независимой творческой деятельности привела Б.Парманова на режиссерский факультет родного вуза. А потом два года стажировался в столице Болгарии Софии, где театральная школа всегда отличалась поисками новых идей и форм. Обучение он завершил в 1982 году. Безусловно, за это десятилетие постижения профессии Б.Парманов приобрел прочные навыки режиссуры и глубокие знания. Он изучил методологию режиссуры и методику ее преподавания в высшей школе.

Б.Парманов – режиссер универсальный. За эти годы он осуществил более 100 постановок в драматических и кукольных театрах. Он был художественным руководителем детского театра в Душанбе (Таджикистан), где поставил около 10 спектаклей для детей и взрослых. Так же он осуществлял художественное руководство театра ростовых кукол «Сезам» в Алматы. В представлениях были объединены практически все виды театрального искусства, и режиссер работал с актерами драмы, артистами эстрады и цирка. В драматическом театре им. А.Хидоятова (г.Ташкент) Б.Пармановым поставлены: притча по национальному эпосу «Алпамыш», «Какылдок» (по узбекским сказаниям), «Когда цветет урюк» (по узбекским сказаниям). В Санкт-Петербурге он выпустил спектакль «Малинки» по русским сказаниям.

Около 20 спектаклей разных жанров поставлено Б.Пармановым в Бишкекском городском драматическом театре имени А.Умуралиева, с которым он плодотворно сотрудничает на протяжении многих лет. Среди них: «Играем Андерсена» В.Синакевича, «Эстамп неба» Ф.Г. Лорки, «Солнечный лучик» А. Попеску, «Трижды три желания или умение загадывать» Ж.Жуэ, музыкально-драматический концерт «Пробуждение», «Я к Вам лечу воспоминаньем....» памяти Арсена Умуралиева, «Очень простая история» М.Ладо, «Любопытный слоненок» Р. Киплинга,   «Эсимде» по повести «Материнское поле» Ч.Айтматова, моноспектакль «Эсимде», «Турандот» К. Гоцци, «Чиполлино» Д. Родари.

За спектакль «Эсимде» Б.Парманов удостоен премии Чингиза Айтматова 2008 года.

Он является постоянным экспертом международного театрального фестиваля малых форм «Импульс» (Бишкек, Кыргызстан).

В настоящее время Бекпулат Парманов – главный режиссер Государственного академического русского театра драмы им. М. Горького (Астана, Казахстан). Им поставлены следующие спектакли:

1. И.Вырыпаев «Валентинов день», ироническая драма
2. А.Касона «Дикарь. Третье слово», мелодрама
3. Р.Баэр «Смешанные чувства», мелодрама
4. Л.Агулянский «Гнездо воробья», игра воображения
5. М.Ладо «Очень простая история», притча
6. К.Людвиг «Примадонны», комедия
7. Б.Парманов «Аманат», притча
8. Г.Андерсен «Дюймовочка», сказка

Он владеет разными жанрами. Например, успешно работает над притчей, потому что облаает мастерством создания художественного образа спектакля. Его постановка «Очень простая история» М.Ладо наполнена поэзией простых истин и объемом метафор, сквозь которые проступают мудрость, доброта и гуманность самого режиссера.

Бекпулат Парманов является лауреатом многих международных театральных фестивалей. Его спектакли принимали участие в Международном фестивале искусств «Во имя мира» г.Бишкек, Кыргызстан; «Asia meets Asia» г.Токио, Япония- спектакль «Дуйно-Ирмем» («Мир Мгновенье»); в Международном фестивале моноспектаклей «Видлуння» г.Хмельницкий, Украина; в Международном фестивале национальных театров «Алтан-Сэргэ» г.Улан-Удэ, Бурятия, РФ; в Международных фестивалях моноспектаклей «Соло» г. Москва, Россия; «Мост» г.Гановер, Германия; «Диалог» г. Вологда, Россия; «Парад Победителей» в г. Улан-батор, Монголия и др.

Один только моноспектакль Б.Парманова «Эсимде» горячо принимали на 11 театральных фестивалях. В 2008 году на III Республиканском театральном фестивале в Кыргызстане - спектакль «Эсимде» Ч.Айтматова получил призы «Лучший спектакль года» и «Лучшая женская роль», а на
Международном театральном фестивале «Арт-Ордо» получил Гран-при.

Б.Парманов был многократно номинирован как «Лучший режиссер года». Получил Гран-При фестивалей за спектакли: «Волшебная лампа Аладдина», «Алпамыш», «Люди –птицы», «Фархат и Ширин», «Бычок острые рожки», «Эсимде».

Награжден золотой медалью Единства народа Казахстана «Бірлік» Ассамблеи народа РК за вклад в развитие театрального искусства нашей страны.

Для Бекпулата Парманова режиссура – не только профессия, но и миссия. В своих спектаклях он стремится определить состояние современного общества и при этом всегда оставляет свет в конце тоннеля.

Его волнуют проблемы гуманизма в современном мире и сохранения национальной идентичности, нарушение коммуникации и прогрессирующее дилетантство, поколебленные нравственные ориентиры.

Б.Парманова радует то, что зрительская аудитория театра молодеет. Он готов, подобно Дон-Кихоту, бороться за то, чтобы молодежь предпочла театр интернету, за трансформацию современной культурной среды. Для него по-прежнему приоритетными остаются духовная, эстетическая и коммуникативная функции театрального искусства.

Профессионал высокого уровня, театральный эрудит, Б.Парманов всегда находится в движении, в художественных поисках. Его творческая неудовлетворенность свидетельствует о стремлении к росту, к познанию нового. Он еще многое желает поведать зрителям: «Я многое не успел передать молодежи, а хочется поделиться всем багажом знаний, которые мне посчастливилось получить в жизни. И я знаю, что нужен своим зрителям, что нужен своему театру и его актерам, знаю, что справлюсь с этими ожиданиями».

Творчество Бекпулата Парманова сопрягается с такими понятиями, как духовное развитие, гармония, гражданская позиция. Человек высокой внутренней культуры и ответственности, при этом необычайно скромный, Б.Парманов считает главным – «осознать себя, что ты нужен обществу, и ты его часть». И продолжает: «Хочу оставаться при любой ситуации самим собой. Быть настоящим, а не казаться». И ему это удается.

 

 

 

Сания Кабдиева,

кандидат искусствоведения,

профессор КазНАИ им.Т.Жургенова,

Заслуженный деятель РК,

Председатель Казахстанской секции

Международной ассоциации театральных критиков (IATC)

 

 

В канун юбилея Бекпулат Парманов поделился секретами профессии и рассказал о сложностях работы и задачах современного театра.

 

Что значит для Вас «быть настоящим, а не казаться»?

«Быть настоящим, а не казаться», значит быть самим собой – чистым, искренним, со своей внутренней моралью, данной мне родителями и великолепными ленинградскими педагогами, которые прошли блокаду, страшные лишения и при этом оставались Людьми с большой буквы.

«Быть» - значит верить, что все получится. Это, своего рода, успешная формула спектакля. А «казаться» - значит играть чужую жизнь, не быть честным с самим с собой в первую очередь, и значит со зрителем. В режиссере должен быть один человек, а не множество разных ролей. Внутренняя борьба должна быть, безусловно. Но стержень человеческий един.

 

Как вы пришли к режиссуре? Чего не хватило Вам в актерской профессии?

Когда просматривал спектакли других театров (и наших, казахстанских) и других стран, я начал задавать себе вопрос, почему я не удовлетворен? Что не так? Что-то не так в актерской игре? А может быть в самом спектакле? А может быть режиссер не те задачи ставил? Ведь одни и те же актеры в одних спектаклях хороши, а в других – нет. Мне всегда хотелось постичь тайну театра. Любопытство и стремление узнать театр глубже и всестороннее меня будоражило. И поступая на режиссуру я знал, что у меня уже есть определенный багаж знаний и актерский опыт. Мне есть, что сказать и от чего отталкиваться.

 

Режиссура – Ваше призвание?

Я понял, что режиссура – призвание лишь спустя время. С распадом Союза, когда каждый выживал, я, как и многие, был готов на любую работу, где только сохранился театр. Пусть не режиссером, но, чтобы душой и сердцем быть с театром в это сложное время. Я был готов работать и вне театра, чтобы была возможность открыть свой театральный кружок, чтобы не забывать и не предавать театр внутри себя. Тогда я понял, что это призвание.

 

Вами поставлено более 100-ти спектаклей в самых разных театрах мира. В чем успех? Ведь зачастую выбор пьесы остается за театром, а не за режиссером. Как полюбить материал, если спектакль заказной?

Как доктор дает клятву Гиппократа, режиссер дает свою внутреннюю клятву полюбить материал, пропустить через себя и найти там то, что трогает и заставляет сердце биться сильнее: фраза, обстоятельство, не важно. И я это нахожу. А когда появляется любовь, тогда появляется спектакль.

Глубже понять материал и умение пропустить его через себя и свой внутренний стержень – важнейшее условие рождения спектакля. Моя душа – чистый белый лист. И вот я начинаю рисовать. Мои друзья, события моей жизни проходят по белому листу моей души. И каждый оставляет следы свои. И вот лист уже не белый. И с течением времени я начинаю соизмерять эти поступки. Так же, как в режиссуре, – поступок определяет характер. И вот я начинаю осознавать, что по моей душе прошел не тот человек, или оставил не самый красивый и добрый отпечаток. И как художник я хочу это исправить. И вот я беру ластик и начинаю стирать. И этот белый лист становится тоньше. Но ведь он может оборваться совсем. Любой жизненный опыт значим и важен. И когда я беру то или иное произведение, я соотношу его со своим видением мира. Созвучно ли произведение со мной. И смогу ли я ударить в тот же колокол, что и автор. Тогда на мой взгляд получается союз и тогда есть, с чем работать, и что сказать.

 

Вы все время проводите аналогии между театром и медициной. Среди ваших родных и близких много врачей. Не жалеете, что медицина прошла мимо вас?

Я влюбился в театр и свою профессию. А однажды меня озарило: я тоже ведь врачеватель, по-своему, правда. Доктор, который определяет состояние современного общества, ставит диагноз, чем оно сегодня болеет. Я отражение этого общества. Ведь через мою призму проходит повествование. И если врач лечит людей от уже имеющихся болезней, то моя задача гораздо сложнее. Нужно суметь предвидеть, предугадать, что грозит нашему обществу, и постараться предупредить его. Каким образом? С помощью постановок. Театр занимается просветительством, и я должен с его помощью дать людям понять, что есть всегда надежда. Часто зритель приходит к нам за ответами на свои вопросы, развеять какие-то сомнения. И если мы сможем помочь ему это сделать, значит, цель достигнута.

 

Поэтому театр все-таки не учит, а лечит?

Конечно. Только театр не просто лечит, он лечит созидательно и дает надежду.

 

А от чего мы лечим современное общество?

Замкнутость – одна из болезней современного общества. Виртуальность не просто нивелирует живое общение, она опустошает. Сегодня на пике популярности скорочтение, стремление узнать как можно больше информации, за которыми теряется способность рассуждать, мыслить сердцем и принимать душой. Повсеместное замещение живого диалога виртуальным, дистанционным, сегодня может, на мой взгляд, сыграть злую шутку. Нам кажется, что, общаясь в социальных сетях мы становимся ближе, а зачастую мы отдаляемся невероятно. Я приветствую соцсети как еще один вариант обратной связи театра со зрителем, но я категорически против замены реального общения виртуальным в принципе.

Мир так стремительно меняется. В хорошую ли, в плохую сторону. Но как нам не потеряться в этом огромном мире? Меняется стиль жизни. Меняется театр. Меняются люди. И это нормально. Театр не может быть музеем, это вечное движение вперед. Есть общение актера со зрителем через спектакль, которое превыше всего.

 

А каков современный столичный зритель сегодня? К кому театр обращается?

Столичная публика многослойна, и мы стараемся охватить все слои населения. Но самая приятная тенденция, которую я наблюдаю уже в течение нескольких лет – это то, что зритель молодеет. Меня это радует несказанно. А стремиться мы должны к умному зрителю, и должны его взрастить. Чтобы это сделать, нам нужно быть еще умнее и интереснее. Поэтому театру есть к чему стремится. Наша первоочередная задача состоит в том, чтобы впервые пришедший в театр зритель, случайный обыватель, заболел театром и захотел прийти к нам еще раз. Следующая ступень – это когда зритель идет в театр сознательно сделав выбор. Третья ступень – это умный зритель, который с тобой спорит, и очень умно спорит. Поэтому мы должны идти на шаг вперед, и расти вместе.

А какой чудесный наш самый маленький зритель. Я могу точно сказать, что нигде в Средней Азии – ни в Душанбе, ни в Ташкенте, ни в Бишкеке, ни в Алматы, ни даже в Москве и Санкт-Петербурге я не видел, чтобы после утреннего спектакля малыши не отпускали актеров, аплодировали, и спешили на сцену поблагодарить актеров лично – вручить им конфеты, открытки, свои работы и поделки. Это так искренне и трогательно. И мы стараемся растить и поощрять своего юного зрителя, проводим для них конкурсы работ, викторины, организовываем творческие встречи с актерами. Потому что завтра из этих детей вырастет тот самый умный зритель, который будет спорить, мечтать и болеть за театр.

Для Вас работа режиссера над спектаклем заканчивается с его выпуском или нет?

Спектакль, как и человек – это живой организм. Невозможно все сделать от точки до точки. Спектакль живет. И так же как счастье человека зависит от множества причин – наличия рядом близких, условий, среды и других параметров, так же и со спектаклем.

А еще, так же как перед операцией врачи созывают консилиум, перед тем, как приступить к работе над постановкой спектакля я провожу глубокий внутренний анализ внутри себя. Взвешиваю и соизмеряю все по крупицам. Внутренний консилиум я провожу и после спектакля, оценивая итог своей работы. И процесс этот постоянный. Беспрерывная работа над самим собой просто необходима. А если у меня что-то не получается, я беру перерыв и начинаю думать о чем-то красивом. И красота меня спасает, как и спасает мир.

 

А что в Вашем понимании есть красота?

Помогают, прежде всего, ориентиры духовные. Красота для меня в первую очередь сосредоточена в мировой классике. Люблю просматривать репродукции великих художников, люблю неспешно читать классическую литературу – зарубежную, русскую, отечественную. Духовное прошлое невероятно богато, и я черпаю в нем гармонию, вдохновение и нахожу ориентир.

 

А настоящее Вас пугает?

Настоящее мне интересно. Просто современный темпоритм жизни такой стремительный, что порой сложно успеть. Но мне нужно его принять. Как у К.С. Станиславского – здесь, сегодня, сейчас. Если я это не приму, то я не смогу достучаться до нового молодого зрителя. Ведь он сейчас так живет. И вся эта скорость и неожиданность приносит мне колоссальное удовольствие. Я от этого кайфую. Иногда не догоняю. Но я стремлюсь, и у меня получается. Иначе нельзя.

 

А молодежь вам в этом как-то помогает?

Безусловно. Наши молодые актеры мне очень нравятся. Они заряжают меня. Я с ними молодею.

Когда мы работали над «Примадоннами», молодежь нас постоянно подкармливала своими новыми идеями: ребята приносили свою музыку, а потом все вместе с Нелли Терехиной (зав. музыкальной частью) прослушивали. И пусть она не подходила по стилистике или жанру, но обмениваясь идеями и обсуждая, мы учились друг у друга. Ребята начали понимать, что такое стиль в музыке и как влияет на него жанр спектакля. А мы узнали массу новых композиций. Мы прекрасно дополняем друг друга. Ребята такие жадные до знаний, полны невероятных идей, и очень позитивные. Меня это притягивает. Работать с молодежью одно удовольствие. А когда на мой юбилейный вечер приехали мои друзья из Кыргызстана – художественный руководитель Бишкекского государственного драматического театра им. А.Умуралиева – Айгуль Умуралиева и главный художник Зухра Мухамбетова, они были приятно удивлены. Несколько лет назад они были у нас, и сегодня они говорят: как горят их глаза, сколько интереса, глубины. И мне отрадно это слышать.

 

Совсем недавно на сцене ГАРДТ им. М.Горького московский режиссер Юрий Квятковский поставил «Евгения Онегина» А.Пушкина, перенеся время действия в наши дни. Импонирует ли вам такое прочтение классики?

Сегодняшний темпоритм жизни диктует иные правила постановки. Мой школьный Пушкин был неспешным, акварельным, красивым. Мой вузовский Пушкин – другой, уже более активный. Сейчас я мыслю о Пушкине совсем иначе. Юрий Квятковский молодой, современный, динамичный и умный молодой человек. И на мой взгляд он очень верно достучался до молодежи. К тому же, он ведь только соприкоснулся с автором. Я думаю Пушкин был бы рад такому прочтению. Наш «Евгений Онегин» получился современным, но при этом не потерял текста на уровне первоисточника, сохранил мораль, глубину и актуальность. Молодежь пушкинского времени и наша современная молодежь ведь очень схожи: взгляды, нравы, манеры и стиль жизни. Только время другое. Мне и «Анна Каренина» наша нравится. Суть того времени, а играют сегодняшний день. Очень хорошее решение. А вообще, у меня как у режиссера старшего поколения, наверное, другое прочтение бы родилось. Эстетика и красота 19-го века сидят в моем сердце, и я вижу решение иначе. Я старался бы сохранить эстетику и стиль того времени, а вот действие перенес в наши дни.

 

Завладеть зрительским вниманием сегодня театру становится все сложнее. Прогресс требует от нас внедрения новых технических возможностей и тенденция не просто к спектаклю, как некоему действию, а к спектаклю-шоу, которое должно ошарашить и пригвоздить зрителя к креслу, становится пугающим. Не перекрывают ли все эти новшества актерскую суть и не скрывают ли откровенных актерских промахов, например. Как вы относитесь к таким спектаклям?

По динамике своей жизнь намного быстрее. Скорость невероятная. В постановке спектакля это, несомненно, должно учитываться. Но на мой взгляд мы должны удивлять не элементами технического шоу, а через актерскую работу, через режиссуру, через интересные приемы. Техника не должна затмевать актера. Он не должен оставаться в тени. Это большая ошибка. Может быть зритель и будет доволен. Но он никогда не уловит душу актера, его энергетику и посыл к миру. Наша цель удивлять. Но только через актерскую работу. Языком театра удивлять нужно и должно. Но не экраном на сцене и не спецэффектами. Применение технических возможностей напрямую зависит от грамотной и профессиональной работы режиссера и художника. Должна быть гармония во всем. Акценты нужно расставить правильно. К тому же зритель современный очень умный и начитанный. А вот душа почему-то ушла на второй план.

Техника всегда нас будет окружать и помогать человеку двигаться дальше по пути прогресса и открытий. Но живое общение в нашем театральном и современном мире в принципе незаменимо ничем. Именно в живом общении рождается истина. Человек важнее и умнее техники. Он владыка над всем и замещать его нельзя. Техника должна помогать, а не перекрывать. Человеческая энергетика, любовь, жизненный посыл, интонация и темперамент несравнимы ни с чем. Неслучайно великий Чингиз Айтматов писал: Я пишу для человека. И задача театра – говорить о человеке. Мы обращаемся к человеку и ставим о человеке.

 

Что бы Вы хотели поставить из современной классики в своем театре?

Ранние произведения Айтматова – моя голубая мечта. «Белый пароход», «Прощай, Гульсары!», «Тополек мой в красной косынке». В них есть островок чистоты, которого нашему современному городу и зрителю не хватает.

 

 

На каждом жизненном этапе в определенные сроки я всегда задавал себе один и тот же вопрос. Очень простой и сложный одновременно. А счастливый ли я человек? Да. Я счастливый. Я работаю по призванию. Я помню свои корни, и я благодарен всем тем, кто помог мне обрести мою профессию.

 

Беседовала зав. литературно-драматическим отделом

ГАРДТ им. М.Горького Мария Ким